Даниэль Сакхайм (Daniel Sackheim) — режиссёр и продюсер кино и телевидения, лауреат премии «Эмми», наиболее известный по работе над такими нашумевшими сериалами, как «Настоящий детектив», «Игра престолов» и «Американцы».
Среди других его работ — сериалы для Apple TV+ «Слуга», «Лучше звоните Солу», «Джек Райан», «Оставленные», «Человек в высоком замке», «Озарк», «Ходячие мертвецы» и получивший признание критиков сериал HBO «Страна Лавкрафта». Кроме того, Сакхайм был режиссёром полнометражного фильма «Стеклянный дом» компании Sony с Лили Собески, в главных ролях, а также продюсером фильма «Секретные материалы: Схватка с будущим» для компании 20th Century Fox.
Вместе с выпускником HBO Тони То, Сакхайм стал соучредителем компании Bedrock Entertainment, которая занимается производством престижных контент-программ для стримеров и кабельных платформ премиум-класса.
Осенью этого года на канале Super Rare была запущена серия NFT «Фотография Дэна», которая исследует переплетение временного и абстрактного, изучая городские пейзажи и то, как мы воспринимаем время. Даниэль Сакхайм — большой любитель уличной (стрит) фотографии.
Расскажите нам о том, как вы пришли в фотографию.
Мой первый настоящий фотоаппарат, это б/у камера Nikromat, я взял её в руки, когда был подростком. Мне всегда было свойственно быть немного интровертом, поэтому фотоаппарат стал для меня как средством художественного самовыражения, так и средством побега. Во время учёбы в колледже на инженерном факультете я был очень влюблён в девушку, которая занималась кино, и чтобы повысить свои шансы, я решил повысить уровень своей кинограмотности, смотреть по фильму в день и читать о знаменитых режиссёрах.
Несмотря на то, что у меня не сложилось с девушкой, я влюбился в кино и киноповествование. Прошло несколько лет. Я стабильно работал режиссёром и продюсером, когда в 2007 году Гильдия сценаристов Америки объявила забастовку, остановив производство фильмов, и заставила меня искать творческое занятие, чтобы заполнить время. Тогда я купил Nikon D100 и записался на курсы фотографии в Art Center College of Design, и с тех пор не расстаюсь с камерой.
У каждого фотографа есть своя фотоличность. Ваши работы широко распространены и разнообразны. Так как, на ваш взгляд, вы определяете себя? Как вы себя подаёте?
Вообще-то, я никогда не считал, что мои работы настолько масштабны или разнообразны. Однако я бы сказал, что часть роста художника включает в себя эволюцию его личной эстетики, и это должно отражать его меняющуюся точку зрения, а также его восприятие окружающего мира. Наибольшее восхищение у меня вызывают те художники, которые никогда не перестают расти. Например, Битлз и Пикассо. Им надоело делать одно и то же, и в результате их искусство постоянно развивается. Не хотелось бы застыть на месте. Я не хочу, чтобы через пять лет я занимался тем же, чем занимаюсь сейчас.
Если бы пришлось говорить о себе, я бы сказал, что в моих работах преобладают тени, как в прямом, так и в переносном смысле. Это увлечение тёмным и двусмысленным проистекает из моей любви к фильмам нуар и той напряжённой реальности, которую олицетворяет этот киноязык. Как и нуар, моя фотография направлена на доступ к бессознательному, исследуя мир вездесущего одиночества и отчуждения.
В творческом плане, как вам дался переход от работы режиссёра к работе фотографа? Я совершенно точно вижу сходство в работе.
Несомненно, у этих двух дисциплин есть ряд общих качеств. Тем не менее мне кажется, что режиссура и фотография задействуют разные участки мозга. Режиссура — это умение наилучшим образом использовать различные инструменты, доступные кинематографисту (диалог, игра, постановка, кинематограф, звуковое оформление, музыка и т.д.), для создания связного и, надеюсь, убедительного повествования.
Фотография не обременена грузом подробного повествования, поскольку её суть заключается в фиксации единичного момента наблюдения. Фотография больше работает с описаниями и предположениями. За некоторыми исключениями, неопределённость, как правило, не является желаемым результатом в кино. В то время как зритель, испытывающий неуверенность в том, что он видит, или в том, что находится в кадре неподвижного изображения, часто именно это побуждает зрителя остановиться и посмотреть на фотографию. Стоп-кадр может спровоцировать зрителя на размышление о том, что было до него и что будет после.
У вас есть серия, посвящённая цвету, а также много чёрно-белых работ. Объединяющим фактором в них является контраст между светлым и тёмным. С точки зрения ментального процесса творчества, чувствуете ли вы, что у вас есть разные стороны ума, которые больше тяготеют к монохрому, чем к цвету?
Это не столько две стороны моего мозга, сколько-то, что является лучшим средством для представления восприятия мира в интерпретации, а не в буквальном смысле. Чёрно-белые снимки более доступны для интерпретации, чем цветные, отчасти из-за того, что люди видят в цвете. Но если говорить о том, как я использую контраст между светлым и тёмным, то чёрно-белая фотография усиливает восприятие негативного пространства, которое легче показать и выделить в чёрно-белом цвете. Чёрно-белый цвет заставляет вас более пристально сосредоточиться на светлых и тёмных участках кадра — и их взаимосвязи.
Большинство людей рассказывают о том, как использовать цвет, но не всегда говорят: «Почему». Как вы думаете, почему вы используете определённый цвет, а не другой? Вы когда-нибудь спорили об этом в своей голове?
Поскольку я не изучал искусство, у меня не было формального образования в области теории цвета, поэтому я не уверен, что имею право высказываться на эту тему. Разумеется, разные цвета, в разной степени интенсивности, вызывают у нас разные эмоциональные реакции. К примеру, красный цвет часто описывается как угрожающий, возбуждающий или волнующий, в то время как синий вызывает в памяти чувства спокойствия или безмятежности.
Многие фотографы, такие как Тодд Хидо, а до него такие пионеры цветной фотографии, как Уильям Эгглстон, Артур Мейерсон и Джей Мейзел, — все они мастерски использовали цвет в своих поразительных работах. Думаю, лучшее, что я могу сказать о своих цветных фотографиях на данный момент, это то, что я всё ещё пытаюсь найти свой стиль в этой области.
Как, по-вашему, цифровые технологии изменили наше отношение к цвету в фотографии за прошедшие годы?
Не могу сказать точно, кроме как предположить, что цифровые технологии, которые теперь легко доступны как любителям, так и профессиональным фотографам — такие как Lightroom, Photoshop и другие программы для цветокоррекции — привели к своего рода цифровой демократии, которая позволила расширить диапазон художественного выражения.
Есть ли у вас любимое время дня или ночи для фотографирования? Кажется, что вас больше всего привлекают города, а они могут быть довольно динамичными, когда дело доходит до цвета.
Как и большинство фотографов, я предпочитаю раннее утро или поздний вечер, когда свет наиболее мягкий и направленный, но я считаю, что не существует такого понятия, как плохой свет. Главное — быть открытым для всех возможностей и видеть, что преподносит вам Вселенная.
Назовите трёх фотографов, которых вы считаете своими кумирами. Как они повлияли на вас и на вашу работу и творчество?
Себастьян Сальгадо, Фань Хо и Анри Картье-Брессон.
Есть ли у вас любимые места в мире, которые вы просто обожаете фотографировать? Знаете, те, которые никогда не надоедают?
Нью-Йорк для меня, наверное, один из самых лучших городов в мире для съёмки. Потому что куда бы вы ни направили камеру, вы всегда найдёте что-то или кто-то, стоящего для вашего снимка. Или кинематографически, если на то пошло.
Что скажете вы о мнении, что социальные сети заставляют многих фотографов пытаться копировать друг друга, чтобы угодить алгоритму? Считаете ли вы, что это подавляет мир искусства?
В действительности у меня с социальными сетями сложные отношения — любви и ненависти. С одной стороны, это чрезвычайно эффективный инструмент для того, чтобы ваша работа стала достоянием масс. Они позволили многим начинающим художникам найти аудиторию для своих работ, и мы стали свидетелями того, как многие перспективные проекты получили известность благодаря им.
При этом кто-то однажды сделал замечательное наблюдение, что все мы носим с собой в кармане эти маленькие генераторы дофамина, потому что всегда есть обещание значительного вознаграждения при минимальных усилиях. Я не уверен, что это хорошо для искусства или художника, или, если честно, для того, как это перепрограммирует наш мозг.
Кроме того, я боюсь, что мы все легко становимся жертвами стремления создавать произведения, которые вызывают наиболее благоприятный отклик у наших последователей, и это часто подавляет наши инстинкты как художников рисковать и развиваться, потому что мы не хотим рисковать потерять нашу аудиторию.
А что вы думаете о синематографе? Вы когда-нибудь занимались этим? Я могу представить, что многие из изображений в этой серии — это синемаграфика.
Я ещё не исследовал этот вид искусства. Несмотря на то, что я думаю, что это умно и при умелом исполнении привлекает внимание, я не могу отделаться от ощущения, что это своего рода трюк. Если изображение недостаточно убедительно, чтобы привлечь внимание, то фотография не удалась.
Как часто вы вдохновляетесь другими видами искусства, например, живописью?
Определённо. Влияние не может быть ограничено собственным медиумом. Я нахожу вдохновение в великой литературе, кино и телевидении, но особое место в моём сердце занимают картины Эдварда Хоппера, к которым я возвращаюсь снова и снова.
Конечно, самая известная его картина — «Ночные ястребы», которая, по мнению искусствоведов, проецирует своего рода нуарный, кинематографический стиль, и заметьте, это было за несколько десятилетий до появления фильмов нуар. Но многие его работы имеют очень отчётливую вуайеристскую перспективу.
Его драматические эффекты взаимодействия света и тени и эмоционально изолированные фигуры, населяющие его анонимные городские пространства, действительно поражают воображение. Его картины дают наглядное представление об одиночестве и напряжённости человеческой изоляции. Эти темы я исследую в своих собственных работах.
Есть ли у вас на журнальном столике фотокниги, которые вдохновляют вас?
«Двадцать лет» Джейсона Лангера, «Кувейт» Себастьяна Сальгадо, «Гонконг вчера» Фан Хо, «Свет, жест и цвет» Джея Майзела, и, рискуя показаться банальным, ни один журнальный столик фотографа не будет полным без экземпляра «Решающего момента» Анри Картье-Брессона.
Ещё больше работ: danielsackheim.com
Следите за новостями в наших социальных сетях: ВКонтакте, Telegram и YouTube
