Искусство, возможно, существует почти столько же, сколько люди. В тот момент, когда мы научились изображать что-то, что люди могли видеть и интерпретировать, в тот момент родилось искусство. К счастью для нас, фотографов, нам не нужно обращаться к древним творцам, чтобы начать изучать искусство, достаточно познакомиться со старыми мастерами-живописцами.
Кого считать старым мастером?
Для тех, кто не уверен, кто такие «старые мастера»: это художники, которые работали в Европе до 1800-х годов. Более конкретно, это относится к тем, чьи работы сейчас выставляются в галереях по всему миру.
До появления социальных сетей и маркетинга этим художникам приходилось полагаться на свой талант и умение, чтобы добиться успеха. На самом деле, можно утверждать, что именно тогда действительно великие художники преуспели в своей деятельности — вы не могли просто купить себе путь к популярности и не могли нанять кого-то, чтобы «закончить» или «ретушировать» свою работу.
Тогда не было никаких лёгких путей к успеху. Вы действительно должны были потратить время и силы, чтобы добиться успеха.
Что мы могли бы узнать из старых картин?
Причина, по которой я слегка дерзко насмехаюсь над современном состоянии искусства и фотографии заключается в том, что мне интересно, сколько из нас увидят нашу работу через сто лет? Не многие, я думаю. Таким образом, учитывая все вышесказанное, любое произведение искусства, которое мы высоко ценим, созданное сто или даже четыреста лет назад, заслуживает серьезного внимания.
В этой статье я собираюсь анализировать работы некоторых старых мастеров и посмотреть, что сделало некоторые из них настолько успешными в то время. Что они сделали, что привлекло внимание зрителя? Какие уловки они использовали? Как они рассказали историю в одном кадре?
1 HDR
Сейчас, прежде чем вы бросите читать из-за очередного упоминания HDR, позвольте мне объяснить. Для тех, кто не знает, HDR означает «Высокий динамический диапазон», который позволяет получить чистые черные тени с хорошей детализацией и очень маленькие чистые белые блики на вашем снимке. По сути, вы используете такие инструменты, как многократная экспозиция или несколько источников света, чтобы обеспечить равномерное освещение каждой части изображения.
Плохо сделанный снимок будет выглядеть плоским и визуально очень запутанным. Эта техника мучительно использовалась в середине 2000-х годов и теперь имеет довольно плохую репутацию, когда этот термин упоминается.
Так как же старые Мастера использовали HDR, когда спорили о том, какие кисти лучше, из ресниц белки или барсука? Ну, у художников есть уникальный козырь, и это их способность рисовать любую область своего холста любой яркости.
Леонардо Да Винчи был мастером в интерпретации света, и он часто использовал свою «художественную лицензию», чтобы передать невозможное в своих портретах. Взгляните на «Богоматерь с младенцем и святой Анной» ниже.
Те из нас, кто когда-либо снимал портреты на улице, знают, что получить хорошо экспонированный свет на переднем плане и правильно выставленный фон — сложно.
На левом изображении оригинальная картина Леонардо да Винчи, а справа — интерпретация того, как эта сцена могла бы выглядеть, если бы она была снята с помощью камеры.
Художники были мастерами в том, чтобы никогда не переэкспонировать свои фоны, и, конечно, это потому, что им не нужно было беспокоиться об одной-единственной экспозиции, они могли использовать любую яркость, какую хотели на своих фонах.
Мы, фотографы, должны помнить об одном и том же, потому что детализация на заднем плане портрета на улице почти всегда предпочтительнее, чем размытые блики, как мы видим на правом изображении выше.
Один из способов получить равномерную экспозицию во время съемки — использовать HDR. С HDR вы делаете несколько снимков с разной экспозицией, а затем объединяете их позже. Это хорошо для пейзажей, но для портретов объект, скорее всего, будет перемещаться между изображениями, а множественные экспозиции будут редко чётко объединяться. Альтернатива этому — просто выставить экспозицию по заднему плану, а затем вспышкой подсветить объект съёмки, чтобы выровнять экспозицию.
На изображениях ниже вы увидите реальность съемки на улице.
На верхнем левом изображении наш объект правильно выставлен по яркости, но фон очень переэкспонирован. В верхнем правом углу у нас есть правильно экспонированный фон, который передаёт цвет и детализацию, но теперь наш объект съёмки очень темный и недодержанный. Наконец, внизу я добавил дополнительное освещение, чтобы теперь мы могли получить точную экспозицию как на объекте, так и на фоне одновременно.
Именно в этих случаях требуются небольшие технические знания, чтобы получить впечатляющий снимок по сравнению с очень тусклым фоном или очень темным передним планом. Этот более высокий динамический диапазон в изображениях — это умение, которое художники изначально воспринимали как должное в то время, но это искусство, которое мы, современные фотографы, должны тщательно понимать, если мы когда-нибудь надеемся создать равномерно экспонированные портреты людей на улице, как это делали сотни лет назад.
2 Использование цвета для разделения переднего плана и фона
В последние годы тенденция снимать с широко открытой диафрагмой очень распространена. Не поймите меня неправильно, я тоже так делаю, и мне нравится как это выглядит, но почему? Для некоторых очень малая глубина резкости — это способ отделить себя от поколения iPhone. До портретного режима крошечные линзы смартфонов не могли точно создать какую-либо глубину резкости на своих изображениях, поэтому все на снимке телефона было четко сфокусировано. Объективы большего размера и размеры сенсора обеспечивают меньшую глубину резкости, и, как таковая, съемка с широко открытой диафрагмой позволяет фотографиям выглядеть более профессиональными.
Более важно то, что малая глубина резкости — отличный способ контролировать и направлять путешествие зрителя по кадру. Если вы хотите, чтобы внимание было сосредоточено на предмете, а не на модели, вы делаете фон размытым, и у зрителя нет другого выбора, кроме как сосредоточиться на объекте съёмки.
На приведенном выше снимке вы увидите, что я использую очень малую глубину резкости, чтобы расфокусировать фон, чтобы привлечь внимание зрителя к объекту.
К сожалению, у старых мастеров не было такого творческого инструмента. На самом деле, очень редко можно увидеть картину, в которой есть не сфокусированные области. Только когда появились камеры это стало более творческим визуальным элементом. Таким образом, поскольку у художников все было в фокусе на их изображениях, им приходилось использовать разные способы направления взгляда зрителя. Они использовали цвет.
Посмотрите на два изображения ниже, чтобы понять, что я имею в виду.
На верхнем изображении мы видим Орацио Джентилески, использующего очень смелые и яркие цвета на основных персонажах, но позади них мы видим только серые камни и грязь. Это может показаться очевидным, но это очень мощный способ создать четкое разделение переднего плана и фона и направить взгляд зрителя.
На изображении ниже мы видим противоположное. В этой картине мы видим, что Гвидо Рени на использовал очень смелый цвет позади бледного объекта, который также обернут в приглушенные и скучные цвета. Опять же, это привлекает внимание зрителей.
Эта картина, безусловно, является одним из лучших примеров использования цвета, чтобы разделить объекты и направить взгляд зрителя. Эти примеры показывают грамотную работу с цветом.
Итак, как мы можем применить эти знания к нашей фотографии сейчас? К счастью, использовать цвет, чтобы отделить объекты от фона гораздо проще, чем вы думаете, и это ни в коем случае не означает, что вам также не следует использовать малую глубину резкости. Фактически, несколько методов обычно сочетаются и идут рука об руку. Вы часто найдете нейтральные фоны и красочные предметы в коммерческих модных изображениях, а также в электронной коммерции. Не редко просто используют белый фон, чтобы обеспечить максимальное внимание к одежде.
На изображениях ниже мы видим это использование белого и приглушенного фона, чтобы максимально выделить основные объекты.
И наоборот, мы можем использовать разноцветные фоны для выделения и объекта, и именно эту технику вы часто увидите в моей собственной работе. На двух изображениях ниже вы увидите, что я четко использую цвет для разделения переднего плана и фона. Слева за моделью виден четкий жирный цвет, резко контрастирующий с ее белым платьем, а справа я выделил место насыщенным синим цветом, чтобы сильно контрастировать с красным стилем на переднем плане.
Вы можете продвинуть эту теорию цветоделения на один шаг вперед, вставив свой предмет между цветами. На моем изображении ниже вы увидите, что я искусственно закрасил фон за объектом, но я также искусственно закрасил непосредственный передний план такими же цветом. Эта техника размещения объекта между цветами, подобными этому, может не слишком выигрышно смотреться, но если она используется в сочетании с малой глубиной резкости, у зрителя нет другого выбора, кроме как быть связанным с объектом.
3 Композитинг
Возможно, вы думаете, что «Композитин» — это относительно современный термин, слово, используемое для описания снимка, состоящего из нескольких изображений, например, замена фона. Конечно, это стало возможно в фотографии только с приходом цифровых технологий. Что ж, как выясняется, композитинг — это просто современное слово, но процесс объединения нескольких элементов в единый сюжет существует почти столько же, сколько и само искусство.
В нашем современном цифровом мире мы часто используем композитинг как способ объединения нескольких изображений по ряду причин. Может быть, мы пытаемся создать что-то, чего в конечном итоге не существует в реальном мире, или, может быть, мы просто пытаемся объединить различные экспозиции одной сцены, делая HDR.
Но какой бы ни была причина использования такого метода, мы обычно пытаемся создать невозможный сюжет, которого просто нет в реальности. Поэтому неудивительно, что художники делали это веками.
Одна из основных причин объединения нескольких элементов в картинах часто заключалась в том, что в более крупных картинах фигурировало много-много объектов. Художники редко заставляли 10 важных людей стоять и позировать одновременно, поэтому их часто рисовали отдельно, пока вся картина не была закончена, что эффективно создавало невозможный кадр. Но это не основная причина такого типа создания сюжета.
Ниже портрет мужчины. Личность человека на самом деле неизвестна, и это может быть даже автопортрет самого художника. Эта картина была сделана итальянским художником Паоло Веронезе (Paolo Caliari) в 1576 году, и хотя предполагается, что именно так выглядел позирующий, вся обстановка полностью вымышлена.
В то время было очень модно рисовать свой портрет, как и сегодня, и тогда, как и сегодня, часто улучшали или приукрашали некоторые аспекты портрета. В этом случае считается, что эта картина была сделана в южной Италии, и в этой области не было ни одного из тех деревьев, которые мы видим за объектом.
Что еще более важно, однако, джентльмен уверенно прислоняется к плинтусу рядом с обширными, рифлеными греческими колоннами. Таких колонн не было нигде рядом с этим городом в Италии ни тогда, ни когда-либо. Это была техника, часто используемая художниками, поскольку она давала им возможность что-то сказать по-новому.
Еще один замечательный пример композитинга старых мастеров — натюрморт. Рисование предметов натюрморта на столе было невероятно популярным, но только в начале 1700-х годов Ян ван Хейсум пришел к созданию невозможных картин, которые взлетели до небес. Ян Ван Хейсум был не чем иным, как гением со своей кистью. Он стал настолько популярен, что не успевал рисовать картины, как они раскупались.
Но что действительно отличало работу Яна Ван Хейсума, так это его способность запечатлеть фрукты и цветы в уникальных композициях. До этого момента художники рисовали то, что находилось в вазе с фруктами или перед ними, но тогда наличие фруктов и цветов зависело от сезонов. Зимой был один набор объектов для рисования, а летом совсем другой. Ян Ван Хейсум покончил с этим понятием и собирал лучшие фрукты и цветы в течение года в одну картину.
Изображение Яна Ван Хейсума «Фруктовая пьеса» 1722 года просто не существовало, и это необыкновенная коллекция фруктов и цветов, которые никогда не находились на одном столе одновременно. Если вам когда-нибудь удастся увидеть работу Яна Ван Хейсума, я призываю изучить её, поскольку мастерство художника невероятно. Детали в этом произведении не могут не захватывать дух. На самом деле его способности и техника были настолько востребованными, что он всегда работал один и никогда не пускал посетителей в свою студию.
Я уверен, что вам нужен небольшой совет о том, где искать вдохновение для композитинга, и, безусловно, сейчас есть много замечательных мастеров, из которых можно выбирать. Но вот несколько, чтобы вы начали: Рене Робин , Дейв Хилл , Эрик Йоханссон .
И помните, если композитинг был достаточно хорош для старых мастеров сотни лет назад, он, безусловно, достаточно хорош для нас сегодня.
4 Композиция и ведущие линии
Конечно, это не должно вызывать удивления, но композиции и ведущие линии уже давно стали важной частью мира искусства. Но хотя вы видите это как очевидное, сильная композиция часто игнорируется в современной фотографии в пользу простой фиксации того, что перед вами. Я вижу, что слишком много нынешних фотографов заботятся о резкости, мегапикселях и цветовом балансе, чтобы гарантировать, что они идеально воссоздают то, что перед их камерой, как можно точнее. К сожалению, ни одна из этих вещей не приведет к созданию «отличной» фотографии, точно так же, как идеальная рамка не сделает великолепной скучную картину.
Как фотографы, мы должны думать о том, чтобы рассказать визуальную историю. Многие великие художники использовали композицию и ведущие линии, чтобы обеспечить визуальное путешествие по кадру. Простое погружение вашей модели в центр кадра не сделает снимок хорошим, независимо от того, какую камеру и оптику вы используете, даже если они стоят тысячи долларов.
Давайте посмотрим на некоторые работы старых мастеров и посмотрим, что они делали с композицией и ведущими линиями.
Эта картина «Ночного Дозора» Рембрандта ван Рейна, написанная в 1642 году, вероятно, является одной из наиболее изученных картин всех времен, так как студенты-искусствоведы по всему миру обсуждают ее художественные тропы, и она может легко заполнить целую статью сама по себе. Но если мы просто кратко рассмотрим только композицию и ведущие линии, вы увидите, как Рембрандт четко использует форму и объекты для создания ведущих линий, которые все ведут нас к центральным объектам. Это один из тех элементов в художественных работах, который может показаться очевидным, как только вы его изучите, но, это невероятно мощный визуальный инструмент.
На рисунке ниже мы видим немного более сложное использование ведущих линий.
На вышеприведенной картине «Мученичество святого Андрея» Чарльза Ле Бруна мы ясно видим очень сильные линии на всей плоскости картины, и если вы продолжите смотреть на это изображение, вы начнёте замечать все больше и больше повторяющихся форм и симметрии. Посмотрите еще раз и посмотрите, станет ли изобилие треугольников более очевидным. Эти очень сильные линии и сбалансированную симметрию невероятно трудно сделать в такой сложной пьесе, и чем больше вы на это смотрите, тем больше композиционных элементов начинает появляться.
Конечно, нет ничего плохого в современных изображениях, но вы вряд ли найдёте современное изображение, которое приблизится к этому уровню сложности композиции.
Как я уже упоминал ранее, примеры поразительной композиции и ведущих линий найти сегодня труднее, чем вы думаете.
Анри Картье-Брессон (Henri Cartier-Bresson), один из самых известных фотографов, занимающихся композицией и ведущими линиями.
По мере того, как мы движемся дальше во времени, становится все труднее выбирать яркие формы композиции, так как многие другие элементы вытесняют композицию на второй план. Хорошим местом для начала является работа Микаэля Янссона, поскольку его работы часто содержат много ярких элементов композиции.
5 Контрастное сопоставление
Наконец, мы посмотрим на один из моих любимых: chiaroscuro. Для тех, кто не уверен в том, что означает это странное слово, кьяроскуро, оно происходит из периода искусства эпохи Возрождения и является словом, используемым для описания света и тени. Художники эпохи Возрождения использовали окрашенную бумагу, а затем использовали белую гуашь для создания своих работ, что приводило к сильному контрасту.
Это сильно контрастирующее произведение искусства воспринималось как гравюра на дереве, в результате чего использовались только два тона; чернила на гравюре и поверхность, на которой она должна была быть напечатана. Chiaroscuro — это только слово, которое мало кто из художников использовал бы сегодня, но более современный термин для этого сильно контрастирующего стиля освещения, используемого как в кино, так и в фотографии — «сдержанное освещение».
Ключевыми художниками, которые позже разработали свой стиль кьяроскуро, были Леонардо да Винчи, Караваджо и Рембрандт, и они были замечены как первые люди, которые отошли от использования HDR во всех работах. Они исследовали более сильный, почти единственный легкий стиль работы.
Конечно, тогда самым ярким источником света после захода солнца был свет свечей, и именно этот источник света, по-видимому, использовался во многих картинах Киароскуро.
На знаменитой картине «Сватовство» Джерарда ван Хонтхорста 1625 года мы ясно видим, что свеча в кадре, и, как и на многих других великих картинах этого стиля, предметы располагаются вокруг источника света, чтобы создать потрясающий эффект освещения. Этот стиль отлично подойдёт для современной черно-белой фотографии, но, к сожалению, эта техника редко используется и часто игнорируется. Если вы хотя бы отдаленно интересуетесь черно-белой фотографией, пожалуйста, потратьте немного времени на изучение этих картин и их художников. Вы не будете разочарованы.
Chiaroscuro был также техникой, которая начала немного более стилистически использоваться в портретах одного человека. На изображении ниже «Давид с головой Голиафа» Гвидо Каньяччи (1645 год), мы видим очень умное использование кьяроскуро не только на предмете, но и на заднем плане.
Для меня этот потрясающий портрет того времени и очень умное использование света, потому что тени делают изображение невероятно трехмерным. Диагональная линия тени позади объекта прерывается как только свет падает на лицо Давида, а затем снова падает на стену позади него. Эта красивая игра света так же элегантна, как и проста. Опять же, мы редко видим такое высокоуровневое исполнение освещения в нашем современном мире фотографии, и я чувствую, что многим из нас, в том числе и мне, могло бы помочь более глубокое понимание всех этих техник и приёмов.
Так какой мы можем извлечь урок из Chiaroscuro и как начать пользоваться этим сегодня? Прежде всего, нам необходимо изолировать наши предметы от фона, и как художники, которые создают двухмерные изображения трехмерных объектов, мы должны привнести большую визуальную глубину в наши портреты.
Я поднимаю этот вопрос, так как слишком часто вижу, как основные объекты съёмки исчезают, сливаясь с задним планом, и в итоге визуально теряются в кадре. Взгляните на два приведенных ниже примера, чтобы увидеть разницу в отношении «субъекта и фона».
На изображении слева вы увидите, что модель не отделена от фона, и кажется, что она не имеет формы без дополнительного фонового освещения позади нее. На втором изображении вы четко увидите очень сильное разделение, что приводит к лучшей передаче формы объекта, а также к добавлению ощущения глубины снимка.
Оба эти изображения были сняты с одним источником света, единственное, что изменилось, это то, насколько близко объект находится к заднему фону. Когда я переместил девушку и свет ближе к фону, свет упал на нее так же, как и на фон, и очень быстро и легко мы создали дополнительную глубину в кадре с добавлением света позади.
Конечно, это очень упрощенный пример использования chiaroscuro в современной фотографии, но принципы те же. Создайте ощущение глубины в кадре не только на предмете, но и на фоне.
Заключительные мысли
Суть в том, что работы «старых мастеров» сегодня находятся в галереях, и некоторые из этих картин были написаны сотни лет назад, но мы до сих пор наслаждаемся ими и рассматриваем их сегодня. В мире, где некоторые изображения делаются всего несколько секунд, действительно стоит задуматься, что делает эти произведения искусства столь важными для нашей визуальной культуры сегодня.
Такие элементы, как сильный динамический диапазон, использование цвета в качестве способа отображения глубины, включая невозможные элементы, сильную композицию и привлечение света и тени, были обычными элементами во многих произведениях искусства. Теперь эти невероятно мощные, почти жизненно важные элементы изображения гораздо труднее найти.
Я знаю, что я буду пытаться включить многие из этих элементов в мою будущую работу, и я бы посоветовал вам сделать то же самое. В конце концов, если это было достаточно хорошо для «Старых Мастеров», это достаточно хорошо для нас.
Автор — Джейк Хикс, редакционный и фешн фотограф из Рединга, Великобритания.
Следите за новостями: Facebook, Вконтакте и Telegram
