Роберт Клаус (Robert Claus), начинающий фотограф с образованием в области языков и музыки чьи работы стремительно становятся узнаваемыми не только у него на родине. Он с самого раннего возраста изучал рисование, композицию и театральное искусство. Родился в Германии, после окончания Лондонского университета переехал в район залива Сан-Франциско.
В 2014 году он посетил большую выставку Дэвида Хокни, что вдохновило его вернуться к своей детской любви к фотографии. Будучи художником-самоучкой, он учился у Джины Милиции, посещал семинары и занятия Эда Каши, Нила Меншела в Стэнфорде и Джоэла Граймса.
В своих работах он, как правило, использует натюрморты, но также занимается портретами и пейзажами. В настоящее время, стремясь получить более широкую известность, он выпустил несколько книг, в которых представлены различные проекты — от театральных работ до абстрактных натюрмортов.
Какие фотографы оказывают на вас наибольшее влияние?
Из интернета такие люди, как Гэвин Хои, Дон Джианатти и Дэвид Хобби, все они научили меня многим приёмам. Шон Такер — человек, которым я глубоко восхищаюсь за его этику и безупречный стиль. Гораздо больше, чем я могу уместить здесь, я обязан двум моим наставникам: Джине Милиции, высококлассному lifestyle и портретному фотографу из Мельбурна, Австралия, она была совершенно потрясающей — вселила в меня уверенность.
Также я благодарен Филиппу МакКордаллу, вышедшему на пенсию коммерческому и рекламному фотографу, который учил фотографии — и особенно съёмке натюрмортов — так, как будто не существовало Photoshop, что глубоко повлияло на моё отношение к съёмке. Он сделал одну съёмку для Audi, в которой прекрасно отразилось его мастерство; он оказал на меня глубокое влияние, которым я руководствуюсь до сих пор.
Что касается исторических фотографов, то я восхищаюсь широким кругом мастеров: Юджин Смит, Ансель Адамс, Эдвард Уэстон, Альберт Ренгер-Патш, Август Сандер, Ричард Аведон, Дон Маккаллен, Энни Лейбовиц — список можно продолжать! Из художников с кистью и красками я бы назвал Караваджо, а также Клаеса, Брейгеля, Дюрера, Вермеера, Франса Хальса, Рембрандта, Эль Греко, Жоржа де ла Тура, Гойю, Тёрнера: опять же, слишком много, чтобы перечислять их всех.
Как они повлияли на то, кем вы являетесь и как вы творите?
По своей сути, мои «интернет-герои» придерживались почти беззаботного подхода к оборудованию — акцент всегда делался на ремесле. Они учили технике и требовали, чтобы мы шли и практиковались! Джина Милиция, в частности, рассказывала о различных лайфхаков, как она их называла, которые часто даже не требовали наличия камеры, но которые подняли мою фотографическую игру на новый уровень.
Вот пример: вы застряли в пробке, посмотрите вокруг — какое освещение? Какие тени вы видите? Такие вещи действительно помогают тренировать глаз и помогают мне быстро распознавать хороший свет, когда я его вижу.
Как долго вы снимаете? Насколько, по вашему мнению, вы изменились с тех пор, как начали снимать?
Последние десять или пятнадцать лет я снимаю всё более серьёзно, я медленно эволюционировал от одержимого техникой олуха, бешено ищущего следующую «крутую» вещь для съёмки, к гораздо более концептуальному и обдуманному художнику. Теперь я делаю подготовительные эскизы для конкретных съёмок и практикую портретные сессии с пенопластовой головой дома.
Фотосъёмка для местной молодёжной шекспировской группы также стала настоящим опытом обучения, независимо от того, делал ли я снимки людей, документировал репетиции или снимал «редакционные материалы» для рекламных кампаний. Каждая новая съёмка основывалась непосредственно на уроках, полученных во время предыдущих.
Расскажите нам о своей фотографии. У вас как у личности есть индивидуальность, которая в корне делает вас тем, кто вы есть. Расскажите нам об этой личности как о фотографе.
Как я уже сказал, я всегда хотел стать художником. Когда родители отправили меня в шикарную школу-интернат в Англии, считавшую себя кузницей будущих студентов Оксфорда и Кембриджа, я привёл в ужас директора, заявив, что хочу быть гастролёром хэви-метал группы. В то время хэви-метал лучше всего отражал для меня интенсивность художественного опыта, и я прекрасно понимал, что мои гитарные способности не позволяют мне самому стать фронтменом группы, но в качестве гастролёра я, по крайней мере, мог бы приблизиться к этому опыту.
Эта несбыточная мечта, конечно, так и не сбылась, но как художник я всегда тяготел к драматическому и напряжённому. Часто я искал красоту там, где другие и не думали искать. Для меня фотографировать увядший сорняк или лист капуст гораздо полезнее, чем снимать свежие продукты. Это гораздо интереснее. Сложные, морщинистые текстуры больше привлекают мой взор. Это более интересная история, которую можно рассказать, а не просто заявить: «Посмотрите на меня, я такой блестящий!».
Естественный свет или искусственный? Почему?
Для полной ясности — я не считаю, что одно лучше другого! Это разные формы освещения, выбранные для достижения конкретных результатов. Как я уже говорил, я снимаю при дневном свете. Для меня выбор между спидлайтами и оконным светом сводится к цели — чего я пытаюсь достичь? Какую историю должен рассказать этот снимок? Если я делаю рекламную съёмку с детьми для сценического шоу, я всегда использую вспышку, чтобы иметь режиссёрский контроль над светом в плане интенсивности, направления и цвета.
Но когда я пишу натюрморт, я нахожусь в том же положении, что и старые голландские мастера — создаю образ, который покорит зрителей. Ведь я использую тот же свет, при котором работали старинные художники: свет из окна. В этом смысле естественный свет гораздо более демократичен, чем его броский искусственный вариант, и, возможно, более полезен.
Почему фотография и съёмка так важны для вас?
Особенно в период изоляции, фотография стала для меня тихой гаванью, местом комфорта и удовлетворения, куда я могу сбежать. В то же время я понимаю, что мне невероятно повезло — у меня есть здоровье и работа, я могу позволить себе возиться с фотоаппаратом в своё удовольствие.
Учитывая то, что сейчас происходит в мире, это почти неоправданный уровень привилегий и самообольщения. Если я хочу смотреть на себя в зеркало, не морщась, я должен делать самую лучшую работу, на которую способен, создавать что-то новое и стоящее. В противном случае я просто поедаю лотос.
Как вы считаете, вы больше творец или документалист? Почему? Как оборудование помогает вам в вашей работе?
На мой взгляд, грань между этими двумя понятиями в лучшем случае размыта. По определению фотография документирует момент, а песня или пьеса — нет. Фотография показывает только один момент, всё и сразу, песня и пьеса разворачиваются во времени и раскрывают решающие моменты постепенно.
Я использую документальную силу камеры для записи визуальной композиции, я перевожу трёхмерную реальность в плоский кусочек двухмерной иллюзии. Когда Магритт сказал «ceci n’est pas une pipe», он сделал утверждение, которое также верно и для фотографов. То, на что смотрит зритель, является лишь одной из практически бесконечного числа возможных интерпретаций объекта съёмки.
Честно говоря, само оборудование в этом деле довольно вторично. У меня есть только одна камера, и я пользуюсь именно ею, и я очень доволен качеством снимков. Но на данный момент выбор объектива диктуется, прежде всего, размером сцены и местом съёмки. Если моя композиция включает в себя большую вазу в моей маленькой студии, то 50 мм — самый подходящий объектив. Я не могу отойти достаточно далеко, чтобы использовать более длинное фокусное расстояние, потому что комната слишком мала, а 35 мм даст мне слишком много фона, который я предпочёл не включать в кадр.
Что обычно происходит у вас в голове, когда вы создаёте свои изображения? Расскажите нам о ваших процессах, как ментальных, так и механических.
Когда я нахожусь в гуще процесса создания изображения, я чувствую себя так, как я представляю себе подводное плавание — я полностью погружен в то, что я делаю. Всё это возвращает нас к предыдущему описанию искусства: это состояние души. С одной стороны, я буду думать о композиции, дорабатывать эту деталь и подталкивать другую, но с обратной стороны, я также буду помнить о своём окружении, занимаясь «фотойогой» между съёмочной площадкой и штативом, всегда опасаясь ударить камеру и нарушить фокус.
Творческий процесс на этом этапе больше похож на то, как будто вы плывёте вброд по медленнотекущей реке, пока не потеряете опору, и течение не понесёт вас по нему. Всё это может показаться противоречием, учитывая, что я ранее говорил о важности обдуманности каждого шага процесса. Но на самом деле это не так — мой объект, моя сцена — это река, которая увлекает меня в это путешествие исследования. Опять же, это всё об искусстве как состоянии бытия.
Пожалуйста, расскажите нам о ваших методах обработки. Также расскажите нам о том, как вы добиваетесь своего образа без помощи Photoshop, если вам это не трудно.
С некоторых пор я очень люблю разграничивать понятия «редактирование» и «постобработка». Редактирование для меня происходит на первичной, вторичной и заключительной стадии: после того как я загружаю свои изображения на iPad, я «оцениваю» их в Lightroom. Этот процесс отсеивает все те изображения, которые по каким-либо причинам слишком несовершенно, чтобы рассматривать их дальше, а все остальные получают хотя бы одну звезду.
После этого я стараюсь уснуть, прежде чем вернуться к процессу отбраковки. Теперь я рассматриваю изображения, оставшиеся с предыдущего дня, и смотрю на каждое из них через призму принципа «действительно ли это стоит того, чтобы продолжить работу над ним в Lightroom?». Удачные снимки, получившие оценку, поднимаются по пищевой цепочке и получают ещё одну звезду.
После этого начинается фаза постобработки, которая часто имеет схожий подход. В то же время каждый снимок отличается от другого и требует соответствующей обработки. Некоторые из них требуют чёрно-белой обработки, другие нуждаются в рефрейминге, а третьи, возможно, лучше выглядят обесцвеченными.
Как поклонник Караваджо, я люблю глубокие тени, резкие контрасты и насыщенные, но слегка приглушённые цвета. Поэтому я почти всегда начинаю с ослабления светлых тонов (часто очень сильно), поднимаю тени, затем подталкиваю белые и чёрные цвета к тому, чтобы они не выходили за край, а затем добавляю немного текстуры и чёткости.
Опять же, это дело вкуса, я подбираю подходящий вариант. Затем я снова погружаюсь в изображение для более тонкой настройки. Допустим, мы рассматриваем натюрморт с драпированным фоном. В этом случае я использую выборочную коррекцию кистью и аккуратно ввожу те блики, которые я убрал ранее, чтобы оживить драпировку.
Другие элементы композиции будут обработаны аналогичным образом, пока всё изображение не зазвучит — тогда настанет время немного снизить яркость, обычно с помощью выборочного обесцвечивания. Я могу добавить виньетку, повысить резкость и уменьшить шум, но к этому времени — примерно через сорок-пятьдесят минут — я обычно уже заканчиваю работу.
После этого процесс повторяется с другими снимками. Это может занять несколько дней, в зависимости от количества фотографий. Но когда всё готово, я снова даю отдохнуть своему взгляду, а затем возвращаюсь к коллекции обработанных снимков для третьего раунда редактирования. Дело в том, что я могу делать всю работу по редактированию и отсеиванию в Lightroom Mobile на своём iPad, даже ретушь — на самом деле нет необходимости задействовать Photoshop, если только я не хочу сделать большой отпечаток, но даже тогда это буквально пару мазков кисти.
Расскажите нам больше о ваших натюрмортах.
Данный проект — это мой внутренний ответ на пандемию, наиболее ощутимым проявлением которой является изоляция. После того как меня отправили домой с работы, я оказался в ситуации, которая представлялась мне очень сюрреалистичной. С одной стороны, я был в безопасности дома, у меня была работа и крыша над головой, с другой, я понимал, что многим другим семьям не так повезло.
Я начал испытывать чувство тревоги, которое вскоре перешло в чувство вины за свою удачу, и мне нужен был выход для всей этой накопившейся негативной энергии. Тогда-то я и решил исследовать эту необычную ситуацию как художник, и родилась идея натюрмортов. Натюрморт был идеальным основным жанром для этого проекта, отчасти потому, что моя жизнь тогда казалась очень неподвижной, а отчасти потому, что почти каждый снимок был сделан в одном и том же доме, в одной и той же комнате и освещён одним и тем же светом из окна.
Это идеально отражало мой опыт и требовало большой изобретательности, чтобы сделать снимки интересными, что, в свою очередь, сделало этот проект очень полезным с фотографической точки зрения.
Ещё больше работ: clausphoto.art
Следите за новостями в наших социальных сетях: ВКонтакте, Telegram и YouTube
