Знакомьтесь, Роберт Клаус (Robert Claus) – фотограф, увлеченный натюрмортами. В детстве он мечтал стать художником — художником или композитором, а лучше и тем и другим. Однако, как мы все знаем, у жизни есть свои планы на каждого из нас. Жизнь привела Роберта в фотографию, однако пришел он в нее только будучи взрослым. Тогда он начал фотографировать натюрморты, различные текстуры, изредка снимая пейзажи и людей. Но основная любовь у автора была вдохновлена старинными картинами 17-го века, именно поэтому Роберт посвятил себя натюрмортам.
Интересно и то, что по профессии Роберт Клаус переводчик, и это до сих пор определяет его подход к фотографии — всякий раз, когда он нажимает кнопку спуска затвора, он уверен, что переводит объект из трехмерной реальности в двухмерную абстракцию примерно так же, как если бы он переводил с родного языка на русский.
Кто-то однажды описал искусство не как вещь, концепцию или деятельность, а как состояние бытия. Для Роберта Клауса — это прекрасно отражает его работа, когда он работает в студии, все остальное исчезает. Создание изображений для нашего гостя — это глубоко захватывающее занятие, и его цель — создавать фотографии, которые будут привлекать внимание зрителей.
Какие фотографы оказали на ваше творчество наибольшее влияние?
Это фотографы из сети, такие люди, как Гэвин Хоуи, Дон Джанатти и Дэвид Хобби, научили меня многим техникам съемки и постановки света. Я глубоко восхищаюсь Шоном Такером за его дух и безупречный стиль. Я многим обязан Джине Милиции, высококлассному фотографу-портретисту из Мельбурна, Австралия (которая была просто потрясающей — она вселила в меня уверенность), и Филиппу МакКордаллу, коммерческому и рекламному фотографу на пенсии, преподававший фотографию — и особенно натюрморт — как будто не существовало такой вещи, как Photoshop, что глубоко повлияло на мой образ мыслей о съемке изображений. Он сделал одну фотосессию для Audi, которая идеально передает его мастерство; он оказал на меня огромное влияние, которое до сих пор направляет меня в мире фотоискусства.
Что касается исторических фотографов, я восхищаюсь широким кругом мастеров: Юджином Смитом, Анселем Адамсом, Эдвардом Уэстоном, Альбертом Ренгер-Пацшем, Августом Сандером, Ричардом Аведоном, Доном Маккалленом, Энни Лейбовиц — список можно продолжить!
Из бригады художников, авторов с кистями и красками я бы назвал Караваджо, но также Класа, Брейгеля, Дюрера, Вермеера, Франса Хальса, Рембрандта, Эль Греко, Жоржа де ла Тур, Гойю, Тернера: опять же, слишком много, чтобы перечислять здесь всех, кто на меня повлиял.
Как все эти авторы повлияли на вас и на то, как вы снимаете сегодня?
По своей сути, все мои «интернет-герои» разделяли почти невмешательство в отношении готовой фотографии — упор всегда делался на мастерство. Они обучали технике и требовали, чтобы мы вышли и попрактиковались! Джина Милиция, в частности, преподала блестящие «маленькие хитрости», как она их называла, которые часто даже не требовали использования камеры, но которые подняли мою фотографическую игру на новый уровень. Показательный пример: вы застряли в пробке, поэтому оглянитесь вокруг — на что похож свет? Какие тени ты видишь? Подобные вещи действительно помогают тренировать глаз и помогают мне быстро распознавать хороший свет, когда я его вижу.
Как долго ты фотографируешь? Как, по вашему мнению, вы развивались с тех пор, как пришли в фотографию?
Последние десять или пятнадцать лет я снимаю все более серьезно; Я очень медленно эволюционировал от одержимого снаряжением новичка, отчаянно ищущего следующую «крутую» вещь, которую можно было бы снять (или купить, к сожалению), к гораздо более концептуальному и осознанному художнику. Сейчас я делаю подготовительные наброски для конкретных съемок и потренируюсь в портретных занятиях с поролоновой головкой дома. Фотосъемка для местной молодежной шекспировской группы также была настоящим учебным опытом, независимо от того, снимал ли я хедшоты, документировал репетиции или снимал «редакционные статьи» для рекламных материалов. Каждая новая съемка строится непосредственно на уроках, извлеченных из предыдущей.
Расскажите нам о своей фотографической личности. У вас как профессионала есть личность, которая в основе своей делает вас тем, кто вы есть. Расскажите об этом человеке как о фотографе.
Как я уже сказал, я всегда хотел когда-нибудь стать художником. Когда родители отправили меня в модную школу-интернат в Англии, которая считала себя кузницей будущих студентов Оксфорда и Кембриджа, я ужаснул директора школы, сказав, что хочу быть роуди в хэви-метал группе. В то время хэви-метал лучше всего отражал для меня интенсивность артистического опыта, и я прекрасно знал, что мои гитарные навыки не годятся для того, чтобы самому выступать в группе, но как роуди я, по крайней мере, смогу приблизиться к этому опыту.
Конечно, этой несбыточной мечте не суждено было воплотиться, но как художник я всегда склонялся к драматизму и напряженности. Я часто искал красоты там, где другие не могли бы их увидеть. Для меня фотографирование увядшего сорняка или капустного листа бесконечно более полезно, чем предоставление свежих образцов косметической обработки — гораздо больше интереса к этим сложным, морщинистым текстурам чего-то, что было отвергнуто — возможно, из-за того, что оно вышло из расцвета — у него есть что рассказать мне, чем просто крикнуть: «Посмотри на меня, я такой блестящий!»
Расскажите нам о снаряжении, которое вы используете. Пожалуйста, дайте нам список снаряжения и причины, по которым вы его выбрали.
Я снимаю на Nikon D750, комбинируя фикс и зум-объективы. Мой самый старый объектив (который, честно говоря, сейчас редко попадает в свет) — это Nikkor 80-200mm f/2.8; другой зум — удивительно универсальный 24–120mm f/4 — действительно блестящий объектив. Я также часто использую свой Nikkor 105 f/2.8 Macro как портретный, так и макрообъектив. Мой маленький Nikkor 50mm f/1.4, вероятно, наиболее активен, потому что его фокусное расстояние и угол обзора очень хорошо подходят для съемки натюрмортов в моей маленькой студии. Я также использую 35mm f/1.4 и 135mm f/1.8 — оба от Sigma и это совершенно великолепные объективы!
Естественный свет или искусственный свет и почему?
Чтобы быть предельно ясным — я не считаю, что одно лучше другого! Это разные формы освещения, выбранные для достижения конкретных результатов. Как я уже упоминал ранее, сейчас я по большей части снимаю при дневном свете. Для меня выбор между вспышкой и оконным освещением сводится к цели — чего я здесь пытаюсь достичь? Какую историю должно рассказывать это изображение? Поэтому, если я делаю с детьми рекламную съемку для сценического представления, я всегда использую вспышку, поэтому у меня есть контроль над светом с точки зрения интенсивности, направления и цвета.
Но когда я пишу натюрморт, я нахожусь в том же месте, что и старые голландские мастера — придумываю изображение, которое увлечет вашу аудиторию, используя тот же свет, который они будут видеть: свет от окна. В этом смысле естественный свет намного более демократичен, чем его яркий искусственный вариант, и, возможно, более полезен.
Почему фотография и съемка так важны для вас?
Особенно сейчас, во время изоляции, фотография является убежищем; место комфорта и удовлетворения, куда я могу сбежать. В то же время я понимаю, что нахожусь в месте невероятной удачи — у меня есть здоровье и работа, я могу позволить себе возиться, делая снимки на камеру на досуге. Учитывая то, что происходит в мире прямо сейчас, это равносильно почти неоправданному уровню привилегий и потаканию своим слабостям. Если я хочу смотреть на себя в зеркало, не морщась, мне нужно работать как можно лучше, чтобы создать что-то новое и стоящее. В противном случае я просто жую лотос.
Чувствуете ли вы себя в большей степени создателем или документалистом? Почему? Как снаряжение помогает вам в этом?
На мой взгляд, грань между ними в лучшем случае размыта. По определению фотография документирует момент, в отличие от песни или пьесы. Фотография показывает только этот момент, все сразу; песня и пьеса разворачиваются во времени и постепенно раскрывают решающие моменты. Я использую документальные возможности камеры для записи визуальной композиции; Я перевожу трехмерную реальность в плоскую двумерную картинку. Когда Магритт сказал «ceci n’est pas une pipe», он сделал заявление, которое в равной степени справедливо и для фотографов. То, на что смотрит зритель, — всего лишь одна из практически бесконечного множества возможных интерпретаций объекта.
Если честно, то само снаряжение во всем этом довольно второстепенное. У меня только одна камера, поэтому я использую именно ее, и я очень доволен качеством изображения. Но пока выбор объектива в основном определяется размером сцены и местом, где я снимаю. Если моя композиция включает в себя большую вазу в моей маленькой студии, лучше всего выбрать 50-миллиметровый объектив — я не могу отойти на достаточно большое расстояние, чтобы использовать большее фокусное расстояние, потому что комната слишком мала, а 35-миллиметровый объектив даст мне слишком много фона. Я бы предпочел не включать его в кадр.
О чем вы обычно думаете, когда создаете изображения? Расскажите нам о своих процессах мысленно и механически.
Когда я занимаюсь созданием имиджа, я чувствую то же самое, что и ныряние с аквалангом: я полностью погружаюсь в то, что делаю. Все восходит к тому описанию искусства, которое было ранее: это состояние. С одной стороны, я буду думать о композиции; тонко настраивая эту деталь и подталкивая ее, но с другой стороны, я также буду помнить о моем окружении, занимаясь «фото-йогой» между съемочной площадкой и штативом, всегда опасаясь ударов камеры и искажения фокуса.
Творческий процесс на этом этапе больше похож на переход в медленную реку, пока вы не потеряете опору, и течение не увлечет вас. Это может показаться немного противоречивым, учитывая, что я говорил о важности осознанности на каждом этапе процесса ранее, но на самом деле это не так — мой предмет, моя сцена — это река, которая ведет меня в это путешествие исследования; опять же, все дело в искусстве как состоянии бытия.
Расскажите, пожалуйста, о ваших методах обработки. Кроме того, если вам удобно, расскажите нам о том, как вы добиваетесь своего образа без Photoshop.
Я сошел с ума по поводу различия между редактированием и постобработкой. Для меня редактирование происходит на первичном, вторичном и заключительном этапах: как только я загружаю свои изображения на свой iPad, я «оцениваю» их в Lightroom. Этот процесс отсеивания удаляет все те изображения, которые по какой-либо причине слишком ошибочны для дальнейшего рассмотрения; все остальное получает как минимум одну звезду. Затем я люблю поспать с этой мыслью, прежде чем вернуться к процессу дальнейшего отбора. Теперь я рассматриваю изображения, оставшиеся со вчерашнего дня, и смотрю на каждое через призму «действительно ли это * действительно * стоит развивать в Lightroom?». Те немногие счастливчики, которые получили оценку, попадают в пищевую цепочку и получают еще одну звезду.
Затем начинается фаза постобработки, которая в целом часто использует схожий подход; тем не менее, каждый снимок индивидуален и требует соответствующего обращения. Некоторые будут требовать черно-белой обработки, другие захотят изменить рамки, в то время как третьи все равно могут выглядеть более ненасыщенными.
Как большой фанат Караваджо, я люблю глубокие тени, резкие контрасты и насыщенные, но слегка приглушенные цвета. Так что я почти всегда буду начинать с уменьшения светлых участков (часто резко), увеличения теней, затем подталкивая белые и черные цвета к краю, прежде чем добавить немного текстуры и четкости. Опять же, это дело вкуса; соответственно приправляю свои работы всем этим. Затем я возвращаюсь к изображению для более тонкой настройки. Допустим, мы смотрим на натюрморт с задрапированным фоном. Теперь я займусь выборочной настройкой кисти и аккуратно прочешу те блики, которые я сжал ранее, чтобы оживить эту драпировку. Остальные элементы композиции будут обрабатываться аналогичным образом до тех пор, пока все изображение по-настоящему не запоет, а затем пришло время немного уменьшить его, обычно путем выборочного обесцвечивания. Я мог бы добавить виньетку, резкость и шумоподавление, но к тому времени — примерно через сорок или пятьдесят минут — я обычно выдою готовый материал.
После этого процесс повторяется с другими кадрами; это может занять несколько дней, в зависимости от количества изображений. Но когда все готово, я снова оставляю все в покое, а затем снова просматриваю коллекцию обработанных снимков для третьего раунда редактирования — какие из них сейчас достаточно хороши, чтобы сделать окончательную оценку? Иногда это заканчивается грубым пробуждением … Но дело в том, что я могу делать все в Lightroom Mobile на своем iPad, даже ретушировать — на самом деле нет необходимости задействовать Photoshop, если только я не хочу делать крупный отпечаток, но даже тогда, это буквально просто быстрый вход и выход, и я закончил.
Расскажите нам о проекте или портфолио, которое вы нам представляете.
Этот проект является реакцией на пандемию, наиболее ощутимым проявлением которой является изоляция. После того, как меня отправили домой с работы, я оказался в очень сюрреалистической ситуации: дома я был в безопасности, у меня была работа и крыша над головой, когда вскоре стало совершенно ясно, что многие другие семьи были далеко не такими счастливчиками. Я начал испытывать чувство беспокойства, которое вскоре переросло в чувство вины за мою удачу, и мне потребовался выход для всей этой накопившейся негативной энергии, поэтому я решил исследовать эту странную ситуацию как художник и идея родилась изнутри.
Натюрморт был идеальным основным жанром для этого проекта, отчасти потому, что тогда моя жизнь была очень спокойной, но также отчасти потому, что почти все изображения были сняты в одном доме, в одной комнате и освещены одним и тем же окном. Это полностью отражало мой опыт и требовало большой изобретательности, чтобы изображения оставались привлекательными, что, в свою очередь, сделало этот проект очень полезным с точки зрения фотографии.
Я хотел бы знать, находит ли какое-либо из этих изображений отклик у ваших читателей, и если да, то почему!
Что заставило вас начать снимать в этом жанре?
Как всегда, здесь нет никакого секрета! Мой дедушка был типографом, специализирующимся на том, что мы теперь в широком смысле назовем маркетинговыми материалами, и, когда мой отец учился у него, он научился снимать рекламу и рекламные изображения — конечно, в то время с помощью фотоаппаратов среднего и большого формата. Так что, может быть, это у меня в крови, но я также нахожу, что, несмотря на мою слабость к крупномасштабной театральности — будь то Роджер Уотерс, исполняющий Стену, или последнюю постановку Байройта «Летучий голландец», меня еще больше тянет к созерцательному, интроспективному искусству. Натюрморт — это то, что я называю «тихой музыкой» визуального искусства, будь то корзина с фруктами Класа или полнокадровый сладкий перец Уэстона. Эти образы привлекают вас, они хватают вас за руку и переносят в секретный, но очевидный мир совершенно завораживающей красоты, который не требует ничего, кроме исследования.
Иногда то же самое можно сказать о портрете или пейзаже — без сомнения, — но натюрморт, возможно, всегда будет моим любимым жанром. Потому что, когда вы подходите к делу, портрет — это человек, который сидит очень неподвижно, и пейзаж тоже не так сильно перемещается. У обоих жанров, конечно, есть свои проблемы, но для меня абсолютная радость съемки натюрморта заключается в том, что я могу создать мир на крошечной сцене, который существует полностью вне тенденций, причуд или моды — если я выполняю свою работу правильно, полученное изображение будет неподвластным времени и привлечет внимание будущих зрителей так же, как и сегодняшних.
Что мотивирует вас фотографировать?
Я удивился, записав несколько ответов, только чтобы выбросить их все! Честно говоря, это очень эгоистичная игра: я хочу создать убедительные изображения, взять обычный объект, а затем перенести его в необычный визуальный контекст и тем самым раскрыть скрытую красоту. В конце концов, это то, что меня движет. Мне повезло, что мне выпала возможность заниматься этой своеобразной страстью, но это не мешает мне сомневаться в ее моральной ценности.
Объясните, почему читатели хотят видеть вашу работу или почему ваш проект действительно крутой.
Я бы не назвал этот (внутренний) проект крутым — это больше похоже на длительную медитацию (или монолог, если хотите) на то, что для меня было похоже на изоляцию, с использованием фотографии, чтобы дать ему голос. Это очень внутренняя работа, которая иногда задает некоторые сложные вопросы, но она также честна в том, что раскрывается через изображения. Я предлагаю это здесь, протягивая руку через изоляцию, в надежде, что этот проект может найти отклик у кого-то еще, ограниченного их домом.
Еще больше работ автора в его социальных сетях и на официальном сайте фотографа.
[clausphoto.art], [twitter.com/TheCrowbard]
Следите за новостями в наших социальных сетях
Вконтакте, Facebook, Instagram, Telegram и YouTube
