Художница и фотограф Алессандра Кало (Alessandra Calò) родилась в Таранто, Италия. Она использует экспериментальную фотографию для изучения тем связанных с идентичностью и памятью. Доминирующей практикой в её работе стало восстановление и переосмысливание архивных материалов, с помощью которых она не ставит перед собой цель передать эффект ностальгии, воспоминания о прошлом, а предлагает новое видение реальности. Её работы стали частью важных международных коллекций и выставлялись на престижных зарубежных выставках и фестивалях.
С самого начала своей карьеры Алессандра Кало не ограничивала себя каким-то одним видом искусства, а предпочитала эксперименты. По этой причине многие её работы можно определить как мост между современным искусством и фотографией, проложенный через тонкие нити деликатных и возвышенных тем, таких как память, идентичность и язык фотографии.
В течение многих лет она исследовала тему памяти, начиная с заброшенных мест и ставя перед собой цель восстановить связь между окружающей средой и человеком. В своих работах художница часто экспериментирует со старинными техниками печати, с помощью которых создаёт произведения искусства, инсталляции и фотокниги.
Заинтригованные её чувственными и художественными предпочтениями в искусстве, редакция журнала Discorsifotografici Magazine обсудила с Алессандрой выставку «Гербарий. Цветы остались розовыми», её новейший проект, который был представлен на Европейском фестивале фотографии в апреле 2022 года.
Поделитесь с нами своей личной историей фотографии: как она началась? Какие у вас с ней отношения с этим видом искусства?
Когда мне было 3 года, отец подарил мне игрушечный фотоаппарат, и с тех пор я никогда не расставалась с ним. Я помню множество рулонов плёнки по возвращении из школьных поездок. Кто-то жаловался, что я фотографирую места, а не людей. Я всегда считала, что, собирая фотографии, я никогда не смогу их забыть. Сегодня фотография стала моей профессией, а веселье превратилось в нечто иное — в ответственность.
Что для вас представляет собой искусство фотографии?
В своей художественной практике я часто работаю вне камеры, поэтому я могу сказать, что для меня фотографическая среда представляет процесс получения изображения. В своей работе я использую уже созданный ранее материал для его переработки, при этом практически никогда не снимая на камеру. Я провожу много исследований, собираю изображения из интернета, создаю цифровые негативы, которые использую в качестве матриц для изготовления фотоотпечатков. При помощи фотографии я представляю себе конечный результат работы, а затем отказываюсь от него и переделываю работу в фотолаборатории.
Художник, фотограф и полиграфист. Откуда возникло и как развивалось ваше увлечение фотопечатью?
В юности я увлеклась работой в фотолаборатории благодаря моим друзьям, которые сделали её в подвале одного из домов. Мы собирали деньги, чтобы купить бумагу и материалы, заклеивали двери чёрной изолентой, украденной из ящика с инструментами отца электрика. Это были весёлые деньки. Со временем я обнаружила, что не существует только одного правильного «рецепта» для создания фотографий. Фотографические процессы отличаются друг от друга, а их история пришла издалека. Я много экспериментировала, меняя носители, меняя техники и процессы. На своих ошибках я поняла, что именно практика и процесс делают работу уникальной: сегодня мы привыкли стремиться к совершенству с помощью цифровой печати и постпродакшна. Это уводит нас от концепции «человечности», заставляя романтическую сторону аналоговой печати угасать.
На протяжении многих лет вы специализировались на технике фотопечати: какую из них вы предпочитаете?
Для меня сложно работать в непредсказуемых и импровизированных условиях. Возможно, потому что я всегда была самоучкой, поэтому мне приходится принимать во внимание множество переменных, часто неконтролируемых, когда я пробую свои силы в печати. Результат всегда далёк от совершенства, но он подчёркивает человечность сложного процесса и связанный с ним изъян, что делает работу уникальной и является для меня постоянным источником размышлений, особенно на тему скрытого изображения. Среди моих любимых техник, безусловно, коллодирование, но больше всего я люблю заниматься техникой нанесения рисунка — с помощью калотипии. Я привязана к этому виду печати, потому что её цвет возвращает меня к чему-то первобытному, напоминает о земле и возможном контакте с природой.
Как фотограф, снимающий в аналоговом режиме, и, следовательно, как любитель тёмной комнаты, естественно спросить вас: каковы ваши отношения с фотолабораторией?
Мне нравится представлять себе фотолабораторию как внутреннюю комнату, место творчества. Она может даже не существовать в физическом месте или быть построенной, оборудованной по мере необходимости. Главное — знать, «что происходит» внутри неё. Несмотря на слова, в камере обскура свет — это ключ, метафора человеческого восприятия и создания изображений.
По поводу «Гербария. Цветы остались розовыми». Этот проект направлен на привлечение немощных людей к процессу создания своего гербария. Считаете ли вы, что искусство может стать средством разрушения барьеров инвалидности и приблизить хрупких людей к этому миру?
На этом пути было много попыток. Я пыталась деконструировать понятие красоты, расширив его до несовершенства, хрупкости и маргинальности, благодаря древнему фотографическому процессу. Я пыталась вовлечь хрупких людей в понимание и мотив художественной практики, символизма и смысла, стоящего за ней.
Создание отпечатков и выступления с ними были уникальным опытом, который, я думаю, мне будет нелегко забыть. «Гербарий. Где цветы оставались розовыми», я могу назвать результатом совместного путешествия, где разрушение барьеров происходило путём тренировки ума к видению внутренней красоты с попыткой применить её в реальности, часто не такой красивой, как мы себе представляем.
Как вы пришли к созданию этого проекта?
Меня пригласили принять участие в социальном проекте, посвящённом теме встречи между уязвимостью и творчеством. Цель заключалась в том, чтобы создать мастер-класс, который ввёл бы нас в диалог с коллекциями Гражданского музея Реджо-Эмилии — местом, которое нас принимало, — и реализовать произведение искусства, вдохновлённое этим опытом. Заинтригованная богатой коллекцией, размещённой и выставленной в секции музея Спалланцани, я попыталась переключить внимание группы на то, что на самом деле не видно публике: серию гербариев, хранящихся в старом шкафу в Ботаническом зале.
Несмотря на их научный характер, мы задержались на любительском гербарии тогда ещё 14-летнего Антонио Казоли Кремона (1885), который по любительски каталогизировал все травы в своём саду и вокруг него. Следуя тому же эмоциональному пути, я предложила группе понаблюдать за спонтанной природой улицы, размышляя о том, как современное общество склонно игнорировать или устранять всё, что сложно назвать красивым: во время наших встреч слово «сорняк» начало приобретать значение, которое становилось всё более широким и сложным.
На ваш взгляд, каково состояние искусства в Италии в отношении взаимоотношений между искусством и людьми с ограниченными возможностями?
Эта тема глубоко затрагивает меня в связи с различными личными событиями. Искусство — это язык, оно духовно, и как таковое оно должно быть инклюзивным, потому что связано с самовыражением, независимо от оболочки, которая его сопровождает. В Италии слово «инвалид» всё ещё связано с негативным образом, который часто пугает или, что ещё хуже, вызывает жалость. Есть много людей, лишённых возможности наслаждаться культурой, и тем более тех, кто занимается художественной деятельностью. Проекты, подобные тому, в котором я участвовала, — это маленький шаг к коллективному образованию, и за это я благодарю свой город за то, что он внимательно относится к этой теме.
Память, идентичность и фотографический язык — повторяющиеся темы ваших работ. Какие сообщения они несут?
Хотя мои исследования всегда сосредоточены на темах, связанных с памятью, я не собираюсь воплощать в жизнь ностальгические воспоминания. То, что я хочу передать своими работами, — это новое видение реальности, которое начинается с далёких корней и проецируется в возможное будущее. Неслучайно мои работы находятся на разных уровнях восприятия: мне нравится представлять себе мост времени, по которому может путешествовать зритель. Изобразительное искусство и фотография должны заставлять нас размышлять, запускать в движение мысли, ставить вопросы, на которые мы все призваны ответить.
Если бы вы могли описать свою фотографию тремя словами, какими бы они были и почему?
Я всегда думаю, что это катастрофа. Когда кто-то говорит мне, что мои работы — это мощная поэзия, я удивляюсь, отвечаю спасибо и продолжаю работать.
Ещё больше работ автора на сайте: alessandracalo.it
Следите за новостями в наших социальных сетях: ВКонтакте, Telegram и YouTube
